这是我第一次参加虚幻引擎技术开放日，这两天我很认真地在听每一场演讲，吸收了很多新东西。

从好莱坞说起，卢卡斯、诺兰、斯皮尔伯格、卡梅隆，其实在上一轮商业片浪潮当中炙手可热的这些大导演，全部是“左手有很强的文学或艺术功底，右手特别善于了解和使用新技术”，我觉得中国影视行业这两年也到了这样的时间点了。

我进北京电影学院读书的第一堂课、听到的一句话就是：电影是艺术和技术结合的产物。所以它从艺术和技术两个维度都是有的，而且缺一不可，只有真正了解新技术的人，才能够在导演、或者在创作方向走得更好。

我们经常把这个行业称为“泛娱乐行业”， 不论是电影还是游戏，你满足消费者的是想象力的体验，如果不能用最新的技术不断去提升这种想象力，实际上很有可能就会落后。

中国影视行业发展也分几个阶段：我自己看到的上一轮浪潮，实话讲是从2016年左右开始，那时候三大互联网平台进入——就是优爱腾进入了，通过整个量的提升、当然也包括资本的提升，形成一个很大的热潮。

实事求是讲，这两年其实也受到一定的影响和冲击，不论是疫情还是其他方面的影响，但这个恰恰带来了一个好处，就是促使我们在上一轮热潮以后去很理性的去想这件事。

时光坐标过去几年做过很多大IP（剧），出品方觉得这个IP已经有几千万甚至几亿粉丝了，上去了以后片子一定好对吧？这是一个非常粗浅的想法。深究里面就会发现，它其实是两种媒介的转化。

如果我们从网文IP转化来看，它是一个文学世界的想象空间，所有读者都有自己的想象，影视难就难在你必须把它具象到一个画面上，而且这些画面还必须是超越想象的。

转化到影像的过程中只有视效吗？不是。其实是一个完整的影视创作团队的工作流。

如果在转化过程当中，大家不能在一个统一、可视化的制片环境下工作，你再怎么沟通，很可能它的误差性都很高。

我们已经用各种各样的方法降低沟通成本了，但艺术创作还有个“灵光一现”的问题。有时候在现场突然之间导演灵光一现，他可能就出了一个好镜头。

我和很多导演聊过，在可视化的虚拟制片环境里，当导演一旦了解了技术，他就会趋于大胆；但如果在一个不可视的情况下，比如说我们说到上一代的绿幕技术，其实很多导演会偏于保守——因为他并不知道最终呈现的会是什么样。

我觉得虚拟制片，或者用一个词叫“可视化制片”，在可视化的情况下，所有从业者全部都是视觉动物，他们会激发和碰撞出很多新的灵感。

虚拟拍摄好像是可以直接出背景了、保持了可控性，可能可以提高很多效率，但这只是它的第一层；但是我真的很在意第二层的优势，这也是它真正无价的地方。

我在拍摄现场接触过各种各样的导演和各式各样的人，我发现当大家在一个可以随时变换的空间中工作的时候，激发的创造力几乎是无穷的；尤其是一些年轻导演，他们更适合这样的拍摄方法，很可能咱们这个行业下一轮的创作高峰期可能就会起来，而且它出来的东西会让人耳目一新。

在影视行业引入虚拟制片，需要经历一个“两头跑”的过程。

任何一个行业其实都有自己相对成熟的流程，在成熟流程中，一头是“观念的改变”，这点改变起来是最难的。

我在以往做其他分享的时候，曾经分享过这么一个概念——我认为虚拟拍摄是一个广义和狭义的系统。

广义的系统是什么？它真的是一套制片体系，首先有两个非常重要的引领者或者说叫决定者，一个是导演，一个是制片人。制片人要会判断，判断在什么情况下适合使用虚拟拍摄技术、用不用虚拟拍摄技术，而导演要会用或者至少会想。

下面的体系中，一般我们现代影视的拍摄过程会有“四大指导”：摄影指导、美术指导、灯光指导和视效指导。这四大指导要会用，需要给上面的主创和制片人足够的支撑。

毕竟电影发展100年了，这个体系也是一步步迭代过来的。我认为现在刚好处在迭代的一个窗口期，或者说窗户纸已经被捅破了，但是还没有捅出个窟窿来，或者说一整扇窗户都被打开了，很多真正具有决定权的导演和制片人还处在一个观望期。

但我觉得至少从观念角度讲，已经到达时机了，导演和制片人的观念没什么可质疑的，可以转变了，这是一个方向。

另外一头，就是类似于我们时光坐标这样、当然还有很多同行业的公司，大家努力把技术做到能避免当中的很多的问题。

不论是我们前面提到耳熟能详的摩尔纹，还是现场是否能给予一套真正如我们想象那样的实时性服务，变化起来非常快、也非常及时。

当导演和制片人发现这东西真的可行的时候，我相信它突破的时间点会是一个几何级。现阶段可能是一个小荷才露尖尖角，但这个东西一旦铺开了，它可能就是大量铺开了。

举个例子，我今年在拍一个项目，就能看到导演经历的变化：

导演一开始在和我沟通时不断问，这个地方透视角度对不对？那个地方帧率对不对？色彩对不对？那是前三天的情况；到第四天，导演坐在我旁边，他突然跟我聊一个事儿，他说你月光的逆光只需要在那个位置上稍微再提亮一点，很可能我们的场面就更美了......

在那个瞬间，我长出一口气，首先我觉得我们现场的技术服务至少基本达到导演需求了，他已经不再想所谓的技术问题了，更多时候我发现导演开始借助这样的新工具想创作和美感的问题了。

这是一个跨越，而这个跨越说直白一点，既对我们虚拟拍摄或者技术团队是一个突破，同时可能反向对这位导演自身也是一个突破。

△ 影片的虚拟拍摄现场

我并不认为（虚拟制片）难突破，因为除了技术之外，大家是在一个统一的可视化语境下对话；早期我们基于绿幕或者非实时的情况下，其实导演和视效公司之间碰到的问题更多，更痛苦。

导演老觉得“我不停降低自己的需求，反正你做也做出来了，我这片子也快上映了，差不多可以了”；（我们）也会觉得“我好委屈，前面你明明告诉我的是这样，怎么到我做的时候就改了或怎么样”，我们经常碰到各种各样的返工问题。

那个情况我们都过来了，而现在我们在现场是有一个可参考的东西的，我认为在虚拍情况下，既能暴露出好的东西，也能暴露出不好的东西。

比如说我们看到那个画面说光不对、色彩不对、透视不对，当这些问题被真实暴露在所有主创面前的时候，要不就是现场直接解决，要不至少我已经有一个心理预期了，知道我们该往哪个方向去改进，即便是通过后期的方法。

所以我始终抱着一个乐观态度，到了现在这样一个情况下，我认为努把力，只要我们的技术能不断提升，让现场能达到这种工作状态，可能反而会理顺我们以前碰到的很多问题，所以这也是我自己对这项技术特别有信心的一个原因。

我觉得今年UOD活动邀请时光坐标来，这本身也是一个很明显能看到多方一起在努力的现状。

△ 影片的虚拟拍摄现场

电影本身就是虚拟的，美术置景也是虚拟的，其实我们很少在真正实景拍摄，反而经常会在影视基地、摄影棚拍摄，那个场景不是真实的，也是搭出来的，导演其实特别擅长在那样的情况下工作。

我们现在只不过是把那样的物理空间还原到一个更数字化的状态，我们要解决的问题是它的真实度，它的可控性，它的实时性。另外它有它的优势，就是可变性，它特别的灵活。

我认为有一种对未来趋势基本准确的判断：无论是绿幕拍摄、还是LED虚拟拍摄，都可能是过渡阶段，未来影视会进入“全虚拟”状态。

任何影像呈现都需要介质，无外乎介质是什么，LED也是一种介质，这种介质我客观认为它也有它很多的问题：

第一个，至少现阶段的成本会比较高，第二个就是基于LED的显示技术，它本身有自己的缺点，比如说摩尔纹、色准等等这些问题，现阶段其实是用了这样一种介质，以目前这个阶段最好的呈现做出虚拟场景，所以它就在现阶段成了热点。

但下一代介质是什么？包括卡梅隆说后面到底会不会有裸眼3D、会不会有全息影像，但是现阶段可能还有很多技术问题不能达到——VR为什么要带个头盔？什么时候最起码变成像我们这么小的眼镜？所以只要介质能突破，影像一定会被突破。

面对这样的技术趋势，时光坐标有一些自己的思考。

影视行业在意的无外乎是数字资产的提供能力，左手有介质了，右手必须得有好的内容。

你会发现，这一轮虚拟制片（热潮），不论国外还是国内，最早好像都是视效公司先跳出来、开始推动，但背后会有很多技术平台，包括内容平台都会跟进；（原因）很简单，因为视效公司以前就有比较高真实的数字资产和内容出产能力。

我们还是比较一下游戏跟动漫行业，虽然动漫现在也越来越接近真实，但是实话讲和真正的影视级真实还是有一定距离的。

在《曼达洛人》之后，很多导演都在跟我们聊说，可不可以做一些相关的技术沟通，因为终于在虚拟的数字资产形式上，让影视人看到了高真实的可能性。

只有数字内容越来越真实，达到所谓院线级电影的要求了，才会引起影视圈一些导演们或者是那些大艺术家们的关注，我觉得这个是虚幻引擎5让全行业看到的未来；也恰恰是基于这个能力，它突然之间就延伸出了对应的数字虚拟拍摄等等。

为什么会有流程的改变？恰恰是品质和实时性越来越近了，以前这是一对矛盾，但是现在它们有交汇的可能了，那就让行业一下子发现又一扇大门被打开了。 

我们也特别希望从内容创作上做一些测试，在试验技术的同时试验内容。

在这里先小小地卖个关子，我们的年轻导演用虚拟制片技术拍了一些科幻实验短片。我最早就是想试验技术，但后来发现既然已经做了，我干嘛不把影视最核心的故事给加进去，最后这么一做发现效果还挺好的。

而且我在现场观察的时候就发现这种实验对年轻导演的帮助。因为实话他们的拍摄经验并不是很多，但是在这样的创作环境下，我能感觉到他们眼睛在放光，所以这就是很好的未来趋势。

关于“影游联动”我的观察是，游戏有一种极强的能力，就是互动性、实时的交互性。

不论是动漫还是影视，电视剧电影它其实相对是一个单向传输的过程，游戏是一个实时交互的过程，这是这种两种不同的形态所决定的。游戏公司在满足交互性的情况以后，其实游戏背后也是一种文化，它会更关注叙事性。

我们去看宏大的游戏，首先第一个它一定会有文学或者美学上的一个渊源。包括我们说很多科幻都有像《基地》三部曲这样的渊源，其实游戏也是从传统影像美学和文学美学当中提取了很多灵感。

现在既然游戏已经满足了很好的交互性了，它完全可以去完成一个更好的、至少是一个世界观背景或者叙事性。

影视人先天想的第一件事情就是故事，我们所有人都在围绕着讲好一个故事，当游戏到一定的时候，它就会发现原来叙事能力其实很重要：我们能不能在这里面融入更多的情感，融入更多的故事？在这个过程当中，我认为这两边（游戏和影视）应该也可以有一定的互补性。

而这次虚幻活动开场演讲用的标题是“下一代交互叙事”。

我看到这个题目就特别的感兴趣，因为提到了“叙事”这个词，这是我们影视人特别敏感的两个字，发现居然在UOD这样的地方出现了，就像你刚才所说的，这是非常关键的一个点，它已经关注到叙事本身了。

Metahuman Creator出来之后如一记惊雷，对整个数字内容产业产生了几方面重大影响：

以前影视动画公司或游戏公司各有各的流程，每家流程都不一样，也不兼容，其实这是一个挺严重的工业化问题——因为没有一个完整统一的工业化标线，所以从制作到评估，都没有统一的标准。

Metahuman Creator在这方面给我们提供了一个很好的标准化平台。

也就是说，最后制作完成以后能达到什么样的标准？制作过程中，比如说在材质、动画、模型……各个方面应该遵循什么样的标准？其实Metahuman Creator是打了一个版，它不是效率的问题，而是让大家有了统一的语言去说话。

以前聊到高精度数字人的时候，可能每家都有自己的绑定系统，每家都有自己的网格系统……大家都有点类似是作坊。有了Metahuman Creator以后，如果大家都遵循一个标准，其实相当于有了工业标准，预计在未来将更有利于产业化。

△ 翁冬冬（左），宋震（右）

在此，我想跟所有做电影的人用句流行语喊一声：百年未见之大变局到了！不是逐渐发生的，而是完全不一样的，在未来可能整个影像制作的理念都会发生天翻地覆的变化。

以前影像制作是把真实的产品记录下来，然后我们开始往里不停地加想象中的东西，变成一个造梦的工业；但造梦工业说到底还是以拍摄为主，这个“根”在电影行业是没有变过的，不管怎样都是“以拍摄为主导”的生产路径。

但当Metahuman Creator出现以后，它把最后的一个拼图板块补齐了。

其实之前虚拟制作大家已经在用引擎去代替场景了，但为什么不能用它完全直接出片？因为没有人，只能拍场景，演员就只能用真人。

但现在最后这个板块填进来了，我有“人”了，实际上它已经构成了一个闭环。

这个闭环虽然现在不敢说它就已经多么好，但是它已经是闭环了；当它成立的那一天起，我觉得可以进入倒计时，传统影像的制作流程可能要发生大变化了。

也许三年后可能大家会非常习惯影片就是没有演员的——为什么一定要有个演员呢？

现在用LED屏的原因是人的精度不够，只能实拍人物然后跟LED屏合在一起；如果人的精度够了，没有LED屏，可以直接在里面拍，要什么有什么。

新的技术迭代很快，现在至少我们在内部已经看到很多完全没问题的片子了。

当然它还很早期，但实际上趋势已经看得见了——都不是说我们在谈一个5年之后的未来，可能就在今年明年，你会陆陆续续看到各种各样的（作品），大家就会觉得到日子了。

这是个颠覆性变化，整个生产流程和创作理念都不一样，因为你不再是去记录一个真实的影像。所以我觉得随着虚拟技术的发展，可能会对整个电影的创作模式、创作方法理念等等产生非常颠覆的影响。

我觉得在这种技术变化比较快的产业，拥抱技术变化是基本常识。

以前影像的创造被专业人士把握着，象征着一种权利；当它（创造）变得足够廉价、足够方便的时候，任何人都可以创作。

其实现在很多行业都是这样：抖音快手的内容并不是专业人士做的，而是小团队，独立团队做的，目前的这些技术我觉得更适合互联网的生态。

你看现在做短视频的话，已经不太需要声优了，我们可以用AI创造声音，并且付费使用；

人的形象，未来你可能觉得这个演员好，我就付费用一下，反正对演员没有任何伤害，当然你要是违法那就得另说，那是伦理问题；

场景的话，像现在Quixel的场景，已经基本上是超级写实的了，可能比你拍的还好。实拍你还要调灯光、还要封路，现在不需要，什么都不需要。

这些成本会急速下降，是指数级的下降，并且它的工具会变得便捷。

团队变小了，更多小团队去释放想象力；人民群众想象力无穷无尽，可以比导演想的东西更丰富。

咱们是在聊电影产业，如果聊电影艺术，那艺术一定要坚守本心。最后电影如果坚守这一块，一定会有人喜欢，但可能会变成得小众。

在这种趋势下，还是会有很多事情要做、很多问题要去解决。

数字人这个领域里能做的东西还很多，包括Metahuman Creator，它也只是个技术平台，最终总是需要大量的数字人；另外数字人也需要更好的驱动，包括跟AI的连接，还需要大量的服装、妆容、发型发饰，甚至各种各样的表演。

数字人其实目前已经慢慢能看到生态了：有数字人的创造公司，他会设计这个人的形象和人设；有数字人的运营公司，把它当成一个真人去运营，去接广告，去露出，各种宣传；还有数字人制作公司。

制作公司又分成很多块，我们可能关注的是，按照它的设计怎么把人造出来；还有的是，有了这个人以后，怎么拿这个人去做内容，它的产业链很长，还没有被开发。

现在有很多公司已经进来了，但是还不够完整，因为它太新了。我觉得明后年估计会慢慢形成一个比较完整的生态，该有的都会有的。

还是用现在的“AI配音”举例，其实现在声优过得挺好，有专门的声优平台，只不过门槛变高了，声优作为一种以声音沟通的网红，在平台上活的非常好，所以其实技术在变，需求也在变。

最后聊聊我们在做的“梅兰芳孪生数字人复原项目”。

我们是做技术的，但是我们又觉得文化是一个非常重要的东西。现在整个世界其实说到底是文化之间的摩擦和对抗，如果你被其他文化侵入了，可能慢慢就丧失了你自己的东西；但如果你的文化能弘扬给其他人，让更多人认同你的文化，可能就会更有利于你的发展。

其实中国文化特别有包容性，就说明我们的文化本身确实有它好的地方；而且从历史上来说，没有断代的文明古国也只有我们。

文化是传统的，是不可以变的，技术是新的，但这两个之间好像也没有什么天然的屏障，所以我们就想尝试一下最新的技术和最原汁原味的文化能不能合在一起。

这是个纯公益项目，如果有人想跟我们合作，非常欢迎联系我们。