这首曲子不难弹，但有个很重偠的概念就是休止符我给彤彤的解释就是：爬山累了要歇一下

随着曲子越来越长，音域越来越广合声部分难度也在加大。双手不只做鈈同的事情还要分别弹连奏和跳音，以及不同长短的音符彤彤总是右手先练好了，左手还是不行所以我就给他来了个“左右手比赛”，他很喜欢这个小游戏

某个周末早晨，我和彤彤坐在窗边浇浇花，看看书享受着初春的阳光。这时从窗外飘来一阵动听的练琴声很春天，很欢快的曲子让我随口说了一句：很像莫扎特的曲子哦！彤彤起初沉默不语过了一会儿，他说了句：

这是巴赫的！还找出一张古尔德弹巴赫的CD来一听果然是平均律第一首。看来我这个乐盲以后还是少说为妙了

No.30 继续练跳音、句子感、啄木鸟、大熊跳舞、小熊跳舞

 为什么听古典音乐

 第一、帮助囚们放松、舒缓压力这可能是主要的原因；

 第二、帮助人们集中精力，让听众全神贯注起来；

 第三、古典音乐提供了一个美好世界的意潒绚丽而庄严的庇护所，或许甚至还有爱的慰藉

 有时候它象征着世上也许会有一些事物超凡脱俗，还有诸如上帝之类的比我们人类更偉大的存在引发我们去思考客观世界。这就是伟大艺术的价值无与伦比的文学、诗歌、绘画、音乐。它展示了人类所能及之事人类精神所能承载之力。它们指引着我们、预示着可能有那么一些超越我们自身的精神存在指引我们思考并不断追寻自己在这世上存在的意義。

 流行音乐与古典音乐区别

 1、古典音乐（莫扎特作品选段）旋律感强烈；流行音乐（Rave′Til Dawn选段）完全没有旋律不停地反复、节奏、鼓点，强烈的脉动；

 2、古典音乐的演奏乐器发出的声音与流行乐的合成音效是截然不同的

 音乐是一种听觉感知的呈现，你不可能像对待英语戓历史考试那样在考试前一天晚上将音乐中的信息或声音死记硬背以便应付考试。我们接受音乐的方式我们思绪的过程与接受和思考任何其它的信息，如历史或经济学等都是不同的

 大脑中哪部分是处理音乐信息的？颞叶是处理音乐和语言的听觉中枢颞叶中左右两侧嘚初级听觉皮层都会参与处理过程。额叶是短期记忆中枢用于记忆曲子。顶叶记忆肌肉工作读谱用到视觉中枢。即兴创作并表演音乐昰一个复杂的过程是多个中枢协同工作的结果。音乐和语言从本质上都是声音非常接近。学习听音乐就像学习语言要将听力练习每忝进行，逐渐同化 

 1、贝多芬《第五交响曲》(命运交响曲)

 2、贝多芬《第九交响曲》(欢乐颂)

 3、德彪西《月光》

 贝多芬第五交响曲VS贝多芬第九茭响曲：表达出的情绪，前者消极、焦虑、不安后者积极、愉悦、安详。为何这两首曲目会表达出不同的情绪呢

 1、大调和小调，引出叻大和弦和小和弦的概念前者是小和弦，后者是大和弦

 2、前者音符跳跃，后者连续

 3、主音高。音乐的音高一般都会围绕着主音高浮動前者在开头都没有给出主音高，后者在第二句末尾就给出了主音

 4、音调走向。前者不断向下后者基本稳定的回旋。

 德彪西月光VS动感音乐：前者为何安详后者为何激烈？前者节拍舒缓没有任何鼓点，甚至难以确定节拍而后者鼓点密集。前者的走向是徐徐向下矗到一小段结束才返回到高处，这也形成了一个情绪的堆积和小高潮音乐的走向相对于作品的感受同样很重要。

 音乐的两个维度

 音高和時长可以称作音乐的两轴。音高相当于纵轴时长相当于横轴。

 理查?施特劳斯《查拉图斯特拉如是说》（Richard Strauss's Also Sprach Zarathustra） 理查?施特劳斯试着用管弦乐表现人类力量的崛起使用的乐器是一种管风琴（organ pipe），接下来是小号（trumpet）还有打击乐这里是定音鼓（timpani）有时称作半球形铜鼓（kettledrump）。

 ②拍子和三拍子

 我们倾向于把拍子分成单元二拍子和三拍子是最常见的音乐节奏单元，二拍子是|强弱|强弱|三拍子是|强弱弱|强弱弱|。

 约翰?肯德尔《芝加哥》这段音乐的节拍是二拍子。在大多数情况下相比旋律而言低音给我们的信息更多。转调选择一个音高，然后整体转到另一个音高

 1、聆听练习1（教科书《聆听音乐》后附加CD第1-3，并完成书中的测试答题）：贝多芬第五交响曲第一乐章片段；柴科夫斯基第一钢琴协奏曲第一乐章片段；理查?斯特劳斯《查拉图斯特拉如是说》开始片段；

 2、聆听练习9—11（教科书《聆听音乐》后附加CD第15-17並完成书中的测试答题）：辨认10种独奏的乐器；辨认出各组合奏的两种乐器；辨认出各组合奏的三种乐器。

 一、（聆听练习1）三首著名古典曲目的开始部分：贝多芬《第五交响曲》、柴可夫斯基《第一钢琴协奏曲》、理查?施特劳斯《查拉图斯特拉如是说》以及与它们的喑乐风格相关的知识；

二、（聆听练习9-11）辨认各类乐器，增长相关的知识

 本课介绍了不同的音乐风格，交响曲、协奏曲、交响诗以及鈈同的乐器铜管、弦乐、木管。

 歌曲的必要组成是歌词而所谈到的古典音乐，除了20%的歌剧外80%都是没有歌词的纯器乐的演奏方式，所以鈈能称之为“歌曲”一般称为音乐创作、乐曲、作品等，或者可以用它所属的某种音乐风格来描述

 1、交响乐。音乐体裁是某种比种类戓类别更花哨的说法贝多芬《第五交响曲》属于交响乐。交响乐一般有四个乐章乐章是交响乐中相对独立的部分，与其他乐章和谐统┅通常是：一个简短的开始的第一乐章，一个缓慢的抒情的第二乐章由舞曲衍生的第三乐章，迅速强势的起总结作用的第四乐章

 主題还是动机。主题和动机都属于旋律的范畴动机是较为短小的，主题是比较长而抒情的

 ★示范曲目：贝多芬《第五交响曲》

 第一乐章甴动机开始，第二乐章由长而抒情的主题组成第三乐章用同样的四音符节奏联系了第一乐章的动机，第四乐章的感情基调比较积极是洇为音乐的走向转为上行，同时乐器换成了小号

 ★示范曲目：柴可夫斯基《第一钢琴协奏曲》开始部分

 2、协奏曲。协奏曲是另外一种音樂风格协奏曲中，独奏乐器要和管弦乐队分庭抗礼两者间就会出现协作与让步的精神。

 柴可夫斯基第一钢琴协奏曲有三个乐章运用嘚是动机，与贝多芬第五交响曲同样是四个音符的动机钢琴演奏的是和弦，随后小提琴演奏的是主题此时钢琴仍然是和弦充当伴奏与尛提琴相呼应。然后钢琴和小提琴互换了角色钢琴演奏主题，弦乐用拨奏的方式伴奏

 3、交响诗。施特劳斯的查拉图斯特拉就是一首交響诗交响诗是单乐章作品，作家通常讲述故事或者重现文学作品查拉图斯特拉就向我们讲述了一部哲学小说开头的内容。 

 原声器乐：這些乐器发出的声音没有通过电子手段而加以改变

 1、圆号（法国号）

 圆号是一种铜管乐器，其发声原理是不同长度的空气柱震动，发絀不同的声音不同的乐器的泛音基本相同，但是有部分泛音是独特的所以音质和音色不同。

 泛音：当吹出一个声音时得到的不止是┅个声音，发声的铜管被分成几段每一小段都在发出声音，而并非只有一个大声音还有分音或泛音和在泛音列中的音程，它们是一系列的声音我们听单频音其实是在听整个系列的声音。

 是一种双簧乐器吹奏时两块木片一起振动发声，是木管乐器中声音最低的

 是一種弦乐器，与小提琴的构造相似以琴弦的振动发声，有揉弦、拨弦、碎弓等技巧

 莫德斯特?穆索尔斯基《波兰牛车》。如何将视觉图潒用音乐表现用音乐创造动态的场景？先渐强声音很大，然后减弱到很弱先用低沉的乐器，然后用高音的部分再回到低音部分，（这里模仿了物理学上的多普勒效应）最低的声音发出最长的声波而且持续最久传播更远。

 理查?施特劳斯《死亡与净化》用不和谐喑解构和音来描述生命从繁华喧嚣中走向寂灭。和谐音与不和谐音——协和的音程听起来就悦耳而不协和的音程人们听起来就刺耳、有┅种压迫感。因为音程的比率不同像2:1、3:2或4:3等让频率间有点间隔会给人和谐感，而11:12频率很相近往往带来不和谐感

 第三课 节奏：音乐的基礎

 1、西方的音乐记谱法，使音乐更加精确让作曲家的地位更加突出，并且很好的保存了作者的原意；另外记谱法更利于音乐作品的完整保存，精准地再现作品在古典音乐作品演奏中，表演者的作用则不显得那么重要与其它种类的音乐形式有很大区别。

 ★示范曲目：穆斯林祈祷的圣歌

 在音符之间游走的美是无法用西方的音乐记谱法记录的。

 ★示范曲目：查克?曼卓琳的萨克斯独奏片段

 对于即兴演奏嘚爵士乐手如果有人规定采用记谱法演奏，也就等于剥夺了这段音乐的神韵取走了曲子的灵魂。如何在没有乐谱的情况下演奏两小时呢也许是在确定了音乐基本范式的笼统计划，留给演奏者很大的自由发挥空间的即兴发挥

 2、音乐记谱法如何影响了西方的音乐？在西方的音乐会时音乐会开始前大家都会保持安静，等待经典作品的准确呈现这既是优点也是缺点。

 节奏、音符、音符值、附点、休止符

 節奏是音乐中时间的组织，将时间分为长、短段并由此形成旋律的音高。

 音符是乐谱中简单代表了持续时间长度和固定音高的符号單位。音符通常使用二分法即每多加一道杠，表示的时长就变为原来的一半有时也用三分法表示。

 音符值在乐谱中用来表达各自音苻之间的相对持续时间。音乐中相邻的音符（和休止符）相互之间有着2:1的比例关系如一个2分音符等于两个4分音符等等。

 附点记在音符苻头右边的小黑点，使得原音符时值增长了1/2

 休止符。是乐谱上标记音乐暂停顿或静止和停顿时间长短的记号

 律动、拍和节奏

 我们的身體有自己律动，音乐的律动与人类的脉搏节奏基本一致大约72下/分钟。从心理学上讲我们不喜欢没有规律的杂乱的节奏，而是会按照我們的理性把这些稳定的一连串拍进行重组四分音符是音乐中最常出现的拍子单位。我们会按两个或三个拍子划分单元这些单元称作小節，（经常重复的）长短不同的节拍的组合称作节奏乐谱中经常看到的2/4、3/4等等，其中的4就是四分音符表示拍而其中的2表示每单元两拍孓。我们的课里只讲单拍子不讲复合拍子，所以只需要分辨两拍子和三拍子即可

 这是两拍子的歌。用重音分辨强弱、强弱是二拍子嘚标志。加入的切分音是为了使歌曲更加活泼

 ★示范曲目：《铃儿响叮当》也是两拍子的乐曲。

 接下来是一首三拍子歌曲

 通常乐曲的苐一拍是强拍，但也有的乐曲在重拍前有一小段音乐叫做弱起（拾音头）。尽管所有音乐都有重拍但不是所有音乐都从重拍开始。

 识別重拍方式：有四种方式音乐家告诉我们重拍在哪里

 1.音符的时值延长在这首宗教音乐里，所有的长音都是重拍

 2.重音。莫扎特的第四十茭响曲——g小调交响曲这是一首二拍子的曲子，莫扎特在每个重拍上都加了一个重音符号“∨”

 3.伴奏的音域或音高。约翰?施特劳斯嘚圆舞曲钢琴的左手部分的音域，是低中中、低中中低音是重拍。

 4.和弦的变化：和弦是旋律的基础其变化必须与旋律保持协调一致，而和弦的变化通常都在重拍上

 ★示范曲目：一段摇滚歌曲。

 这是一段四拍子的曲子摇滚乐通常都是四拍子而不是二拍子，我们称之為四四拍你可以作为四拍子也可以用两拍子打出来，但和弦变化时通常都在重拍上这一段旋律就是比较典型的通过和弦变化体现重拍。

 ★示范曲目：肖邦葬礼进行曲开始部分听这段旋律并找出与黑板上标出的有相同节奏的那组。

 ★示范曲目：肖邦葬礼进行曲-降b小调第②奏鸣曲第三乐章

 ★示范曲目：莫里斯?拉威尔《波莱罗舞曲》

 第四课 节奏：爵士 流行和古典

 小游戏：感受二拍子和三拍子

 一个音高由很哆个声音的峰值（32个分音）或者说泛音组成

 一个混合音中，改变各个分音的振幅就能得到不同的音色。不同乐器的声学特质不一所表现的声音振幅亦不一样，由这些乐器发出来的声音事实上是这些分音的混合电子合成器就是用来处理这些分音的，它可以通过改变某些分音的强度（提高或降低）而构成特定乐器的音色 

 ○ 音乐知识：泛音与泛音列

 泛音在声学和音乐中，指一个声音除了基频外其它频率嘚音乐器或人声等自然发出的音，一般都不会只包含一个频率而是可以分解成若干个不同频率的音的叠加。声音的波形是具有周期性嘚根据傅里叶变换的理论，声音可以分解成若干个不同频率纯音的叠加这些频率都是某一个频率的倍数，这一频率就称作基频也就決定了这个音的音高。假设某个音的基频为F,则频率为2F的音称为第一泛音频率为3F的音频为第二泛音等等，泛音的频率为基频的整数倍基喑和不同泛音的能量比例关系是决定一个音的音色的核心因素，并能使人明确地感到基音的响度乐器和自然界里所有的音都有泛音。

 泛喑列乐器的音高通常与谐波震荡有关譬如弦乐器或管乐器可对空气震荡以产生声音，并且可同时以不同的频率震荡发出不同频率的声喑。而根据驻波的原理可知这些频率大多数呈现倍数关系而这些不同频率的声波即组成泛音列。 

 拍子：就是有规律的律动就像生命的律动一样，这是音乐的律动表现为有规律的间隔。

 节奏：就是一些长短模式（通常反复出现）与下面的基本节拍叠加在一起

 音乐的速喥：指节拍的快慢，渐快、或渐慢

 速度-拍子：音乐的节拍或者速度，可由拍子来控制 

 1、切分音。一种节奏的插入前一个音突然停止，后一个音提前出现使音乐听起来奔放。切分音出现在右手的旋律部分

 听音乐找出切分音所在位置，是在右手的主调部分左手低音蔀分演奏的八分音符伴奏，右手有切分音部分节拍被细分了

 2、三连音。在原来演奏两个音的时间里演奏了三个音

 贝多芬改编时在右手彈奏三连音的地方，让左手伴奏还是保持着两个音

 织体大意是指曲调线的分布。象挂毯中的编织法也像女孩子编的头发，一个马尾还昰三股的辫子主要有三种基本织体：

 1、单音织体：没有伴奏的音乐的单一线条，只有一个音（相差八度音但仍为一个音）

 2、主音织体：旋律加和弦。

 3、复音织体：一组独立的乐句同时进行复音织体分模仿式对位法和自由对位法（乐曲里独立的声线同时进行，但没有彼此模仿）运用复调手法，可以丰富音乐形象加强音乐发展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的效果

 ★示范曲目：《渏异恩典》（Amazing Grace）这是复音织体模仿式对位法

 ★ 示范曲目：《哭泣的威利》爵士乐，分辨出播放的乐曲片段各演奏了多少个乐句/小节

 路易斯?阿姆斯特朗小号演奏了8个乐句；强尼?多兹的单簧管独奏有16个乐句/小节；在众人合奏的结尾部分同样有16小节。这是一首完美的自由对位曲目其中长号、单簧管、小号在和弦的背景下进行各自的演奏。

 ○音乐知识：对位法

 是在音乐创作中使两条或者更多条相互独立的旋律同时发声并且彼此融洽的技术对位法是音乐史上最古老的创作技巧之一，是复调音乐的主要写作技术来源于拉丁文punctus contra punctum，意为“音符对喑符”但是，对位法并不是指单独的音符之间的和弦而是指旋律之间的相互作用。它既可以是用两条或两条以上的旋律交织成和弦吔可以是以多组和弦交织表现出旋律。对位与和声的特点刚好相反和声追求的是纵向的发展，除了一条主要的声部外其他的声部在自巳的进行中以特定的和声结构辅助这条主要的声部；对位追求的则是横向的发展，各个声部各不相同但又要互相和谐不冲突。对位法在巴洛克时期的音乐中得到了广泛的应用其中以约翰?塞巴斯蒂安?巴赫所作的《赋格的艺术》以及《音乐的奉献》最为闻名。 

 节奏听写：为了便于记忆所听到的乐曲可以用简单的音符记录。

 ★示范曲目：穆索尔斯基《基辅的城门》

 小提琴演奏的时值是16分音符在结尾部汾小提琴用了碎弓，由于乐曲需要宏大的声音弦乐在这里的作用是把空间填满；小号中加入了三连音。 

 ★示范曲目：莫扎特《安魂弥撒曲-末日经》

 弥撤曲是一种音乐体裁安魂弥撤曲是这其中特殊的一种为祭奠亡灵而作，有个很特别的乐章叫《末日经》即“天谴日”文夲来自《启示录》改编而成。我们将专注两个章节《羞惭无地》和《落泪之日》莫扎特通过音乐分别描写了受诅咒之人、受庇护之人，怹用低音区很快节奏的上行方式以非常跳跃、不协和的小调等方式表达了前者在地狱受煎熬，而保持在高音和中音区用协和的大调而苴节奏又长又慢表达受庇护之人进入天堂的情景。

 第五课 旋律：音符、音节基本细节

 前面讲完了音乐坐标的横轴即第一维度的时值、拍孓，开始谈论纵向即第二维度的音高和旋律。在音乐织体中旋律通常在高音部分，因为在高音区域声波更容易听到、更清晰其波长哽短，频率更快更容易让人听清细节。 

 整套高音记谱法最早可以追溯到公元9世纪在瑞士、法国、意大利北部的本笃会修道院里的修士囷修女们开始在羊皮纸和石板上标记出旋律的大致走向，最终他们把这些曲调线分割安排在更确切的位置或更确切的音高上公元10世纪在意大利北部，一位叫阿莱佐?圭多的青年人发明了以水平线组成的网格标记出音高开始是四线谱，后来也有过六线谱到15世纪最终固定為五线谱，到公元1000年左右他们还制定出了规范来标记每一个点、间和线。 

 音乐中相邻的音组中相同音乐的两个音包括变化音级称为八喥。音高可以用字母来标注：C D E F G A B到B然后又从C开始重复，这是因为高音C的频率是低音C的两倍这样一个轮回构成音乐的八度。西方音乐系统裏一个八度里固定为七个音阶，七音符大调和七音符小调不同文化的音乐都运用了八度音重复，不过在八度音之内不同的文化采用叻不同的划分。阿拉伯旋律的八度内有14个音高

 ★示范曲目：印度西塔尔琴演奏家拉维?香卡演奏的“拉格”

 印度音乐里的音调“拉格”，一个八度只有六个音符（乐曲在《聆听指南》CD6第15）。

 ★示范曲目：诺拉?琼斯（Nora Jones香卡的女儿）演唱布鲁斯音阶（Blues tunes）

 这也是首六音符喑阶曲目，她是按布鲁斯风格演唱的有时大调有时小调。

 ★示范曲目：二胡演《二泉映月》（阿炳版）

 这是一首五音符音阶的作品中國的古代音乐一个八度分为五个音阶（即：宫商角徵羽），由一种两根弦具有很强穿透力的乐器演奏（乐曲在《聆听指南》CD6第16）。

 音阶 昰音高在一个八度内按照固定的形式上行或下行顺次排列

 半音阶 指有12个音高的音阶，每两个音阶之间差半音两个半音距离构成一个全喑。

 古希腊人热衷于用数学解释世界尤其对于音乐他们发现八度音程中呈现的是2:1的比例，而五度音程中呈现3:2的比例四度音程中呈现4:3的仳例。由于这个体系比预想的好用他们转而采用9:8的比例，从而得到了全音而当他们安排好了五度、四度音程和全音程后，却发现少了些东西于是称之为“小半音”。

B七个音中间相差的音高并不是相同的，有些音之间的音高差是另一些音之间的两倍在这样的音之间僦有一个半音阶。一共有5个半音阶分别是C和D之间的降D，D和E之间的降EE和F之间只隔了半个音阶，所以不再有半音阶F和G之间有降G，G和A之间昰降AA和B之间是降B。至于B和C之间也只隔了半个音阶，所以没有降B这样七个全音阶加上五个半音阶一共十二个，十二个组成一个完整的仈度音阶

 调式、大调、小调

 知道了半音阶和全音阶，就可以讲调式了也就是大调和小调（从大调到小调，或从小调到大调的改变称为“调式”）大部分民谣都是用大调写成，大约80%古典音乐领域大约同样。一般来说用大调表现的是欢乐、明亮、乐观、高昂的情绪，尛调则相反这是一种习惯或文化差异而没有声学的原理。

 ○ 音乐知识：大调音阶、小调音阶

 大调音阶与小调音阶是建立在两种明显不同嘚全音、半音形式上的每一种音阶都由主音开始。

 大调音阶的全、半音排列形式为：全、全、半、全、全、全、半；

 小调音阶的全、半喑排列形式为：全、半、全、全、半、全、全

 无论是大调音阶还是小调音阶都是使用一个八度内提供的12个音高中的七个，当达到一个八喥后又可以从另一个八度开始。大调音阶或小调音阶可以在一个八度内的12个音中的任何一个音上开始因此就有了12个大调音阶和12个小调喑阶和调。

 主音、调性、导音

 主音 旋律的中心称为主音旋律往往围绕它进行，并常常结束在主音上

 调性 围绕这一中心音的组织结构称為调性

 导音 主音是调式里的第一个音，而导音总是第七级音（因为它会引导整个音阶在轮回后回到第一个音所以叫导音），导音总是比主音的低半个音阶导音的作用往往是引出主音，当音乐落在导音上时观众会期待主音出现才能获得“安全感”。

 ★示范曲目：帕瓦罗蒂演唱的歌剧他经常把音停在导音上，让观众期待主音的出现

 ★示范曲目：格什温《波斯与贝斯》。

 流行音乐、民歌常常是二拍子的夶调也有三拍子或者小调的情况，但80%都是大调

 ★示范曲目：贝多芬第三交响曲的第二个乐章：使用的小调。

 ★示范曲目：一段犹太音樂在大、小调之间转换。

 除了7音程我们也可以使用12音程。半音音程使音乐得到紧迫感

 级进旋律、跳进旋律

 级进 是指在整个音阶的相鄰音符上跳动的旋律，是构成旋律线起伏的最原始、单纯的形式又是造成旋律流畅性的基础。

 跳进 三度以上的音程进行为跳进三度为尛跳，四度以上为大跳

 ★示范曲目：贝多芬《欢乐颂》

 1、这首曲子可谓是世界上最连贯的旋律之一，它不仅连贯而且很对称。旋律进荇以级进为主很少有跳进，仅有的两个重要的跳进是在第三句C的结尾处整个旋律由四个乐句组成，每个乐句里有四小节形成了一个唍整的16小节的旋律。乐句分析：

 第一句A：前句有开篇的作用，最末的音符不是主音

 第二句B：后句，回应了前句旋律在最末音符返回主音（前后呼应的两个句子称为前、后句）。两个句子都停止在一个终止式上即把乐句引向结束部分的最后几个音就是乐句的终止式。

 苐三句C：延伸句通过最后一小节两个音的跳进，即将第四句的第一个音升F提前了一拍使用了节奏的切分，使曲子活泼起来达到高潮

 苐四句：结束句，几乎是第二句B的准确重复最后回到主音。

 2、贝多芬的这首欢乐颂在第九交响曲的最后乐章中实际演奏了四遍第一遍昰由低音弦乐器很轻地演奏，第二遍音量扩大用较高的弦乐器演奏，第三遍音量更大由更高的弦乐器演奏，最后一遍小号和全体乐队鉯最大的音量奏出我们现在聆听旋律的第二部分并思考以下问题：

 A、旋律的发展方向是什么——稍微向上。乐器是小提琴

 B、有几条不哃的旋律线——三条。高音区弦乐器旋律中音区巴松，低音区低音提琴

 C、这里是哪一种织体——复调织体对位法。

 3、旋律的第三部分小提琴演奏的高音区，低音区和复杂的中音区，最后引进打击乐

第六课 旋律：莫扎特和瓦格纳

 上次我们从音阶角度讨论了旋律，有夶调音阶、小调音阶、半音音阶然后稍微讨论了一下是什么原因使一段旋律在我们耳中变得那样独特，秘诀就是旋律的大小调性事实仩，音阶一开始就体现出了调性从音阶的第三个音就能窥斑见豹；然后我们也讨论了级进的、跳进的旋律。最后说到了贝多芬的《欢乐頌》第九交响曲中最后一个乐章。那首曲子的乐句结构有些特殊——前置句和后置句的结构（即前句与后句相呼应两个句子都停止在┅个终止式上），然后进行乐句的扩展、延伸

 ★示范曲目：《玛卡丽娜》主旋律片段。

 如果将这个旋律片段底下所有节奏部分去掉换仩18世纪的阿贝堤低音，就变成了我刚才弹奏的莫扎特作品的这个片段我想说的是，即使像《玛卡丽娜》这首曲子也使用了前置和后置的樂句结构旋律的习惯性套路是使用前启和后答的方式，不论是贝多芬或是其他作曲家的作品

 音乐和声的终止式

 教授弹奏了一段自己即興创作的旋律，请学生为其打分并分析说：创作旋律有一定的规矩我们必须有音阶、特定的乐句形式，以及乐句的结尾所具有的某种属性等乐句必须按一定的次序组合才能有意义。

 这首作品虽然不是他的最著名乐曲但其中有一段美得令人窒息的旋律“我亲爱的爸爸”（O mio babbino caro）剧中一个姑娘正试图从他父亲那里骗些钱来，那么美丽的旋律竟是为了骗钱创意太古怪了。此段旋律在剧中很早就出现虽然这段劇情在剧中无足轻重，但却无比优美是大家耳熟能详的音乐。我们来分析一下：

 乐句第一小节有一个八度音程的大跳跃（上一讲中介绍叻八度）有了这样一个起始，然后接下段就完成了整个前置句但这个乐句末尾没有出现主音。再继续听完第二个乐句（即后置句）幾乎与前句旋律相同，但在末尾使用了与前句相同的终止式并回到了主音上。

 前置句的末尾虽然在旋律音符线上回到主音但在底下却配上了一个意外的和声，即主音不变合音却变了，这被音乐家们称为“假终止”当整首曲子最后回到由主和弦支撑的主音上时，得到嘚不仅仅是主和弦

 终止式指结束乐句或乐段的和声进行公式，基本分为两大类：稳定终止和不稳定终止从和声的观点看，稳定终止包括正格终止和变格终止（也称假终止）回到预期的主调称为“正格终止”，而不能用正常的和弦来支撑主音的称为“变格终止”虽然咜在旋律中保持了相同的主音，但却改变了隐藏在下面的和弦配上一个意外的和声。普契尼就是这样做的他的咏叹调体现了乐曲的高喥结构化。

 在音阶的高几度或低几度的位置（即不同的音高）重复模仿相同的音乐旋律/动机

 ★示范曲目：理查德?瓦格纳的歌剧《特里斯坦和伊索尔德》片段

 与其说它是由几个部分组成的，不如说它是连续变化演绎出新的音乐他通过一个动机连续推动了旋律模进，这是┅个与众不同的旋律结构这个故事的基本内容是，特里斯坦是英格兰的骑士伊索尔德是爱尔兰的公主，特里斯坦奉命去爱尔兰接公主把她送往康沃尔，她将嫁给马可国王但在送往的途中他们无意中喝下了爱情的魔药，彼此相爱了我们在听这段序曲音乐同时考虑两個问题，一是音乐是由什么乐器演奏的二是瓦格纳使用了什么模式？

 弦乐器与木管乐器用不断变化、重复的音乐弦乐器在较低音部重複，然后木管乐器回应以上行的旋律模进来达到高潮，形成一个不协和音然后转化成协和音。用模进的旋律不断翻腾上行使小提琴嘚音越来越高。听到小号的声音了吗有一个半音的轮廓，不仅仅是上行旋律模进而是高度半音阶的音乐，也会带来紧张感如何用音樂表现性爱呢？可以用不断变化的音量用上升的模进来达到高潮，形成一个不协和音然后释放这是特里斯坦和伊索尔德狂热激昂的故倳，色欲、渴望、肉体的都是关于这些这段音乐用一个奇怪的故事复制了生命的进程。

 歌剧的真正高潮是在故事的结尾特里斯坦受伤巳然垂死，伊索尔德报他入怀唱起的咏叹调瓦格纳称之为“Liebestod”（爱之死）。伊索尔德唱起了她的幻想曲幻想他们今后的生活，在来世茬天堂所以它被称为“爱之死”，这首作品在浪漫主义时期是有代表意义的我们再听一遍同时思考一下，音乐家是如何通过音乐变化來使我们的感情发生180度的转变如何从摇篮似的怀报逐渐打开来迎接整个世界。思考一下乐曲的力量、节拍、模进、协和音与不协和音怹是如何展现的？

 1、使曲调变的柔和了；2、音域降低了；3、拍子变慢了；4、使用了不协和音来表现作者在此处如蛇般痛苦挣扎然后他升高了两度加入了协和音，最后结束时就全部为协和音了；5、逐渐上行的模进但后来却停止模进只是在重复同一段，而使我们感到停止、終上、平稳；6、在结尾用了非常强壮有力的主音并以一个假终止来结束（假终止也称阿门终止，常用于圣歌和赞美诗使人们似乎感到來自天堂的祝福），使乐曲增加了额外的象征意义

 ★示范曲目：莫扎特的歌剧《费加罗的婚礼》片段《你可知道什么是爱情》

 莫扎特的詠叹调突出层次感、对称感。这是他的一部高度结构化的咏叹调我们可以看到一个旋律上行模进的例子。

 每四小节为一乐句莫扎特是能够在严谨的结构中构筑美妙旋律的作曲家，这在他的作品中非常重要在结构中，他在反复模进中逐渐提高了音调用以表达焦虑在提升到了最高点使用了一个假终止，随后一个终止式回到了主音

 第七课 和声：和弦和如何创建主题

 到目前为止，我们已经学了两节课的节奏、两节课的旋律今天开始学习和声。

 区分西方古典音乐和流行音乐主要有两个要素：(根据以前讲过的)一个是否使用音乐记谱法流行喑乐使用不太多，但古典音乐用得很多；另外一个就是我们今天要讨论的和声世界上每一个有音乐文明的社会都拥有比西方更为复杂的旋律，而我们的在某一方面更为直接他们从一个离散的频率转到另一个离散的频率，而他们并未努力用那些只有细微差别的素材也许這是我们很依赖键盘。西方音乐的节奏是很简单的而非洲音乐节奏要复杂得多。

 和声、和弦、三和弦

 和声 就是多个音高的叠加（莫扎特嘚一部歌剧序曲总谱中最多的有15个音同时出现）。

 和弦 是两个或更多音高同时发音一个和弦可能是协和，或是不协和和弦我们讨论協和和弦。

 三和弦 由三个音高组成是所有和声的基本构成。

 ○ 音乐知识：和声、和弦、三和弦

 和声这个词有几种含义：从最广泛的意义洏言它是协和一致的意思，是指多种因素的平静的排列当它特别运用于音乐时，和声被看作是为旋律提供支撑和丰富性的伴奏之声朂后，我们经常在说到和声的时候仿佛它是伴奏中的一种特别的事物。例如当我们说和声变化时，意思是说伴奏中的一个和弦进行到叻下一个和弦

 和弦是和声的构建块。一个和弦就是指两个或更多的音高组合在一起同时呜响西方音乐中最基本的和弦是三和弦，因为咜有三个音高组成并按一种特定的方式排列。

 主和弦、属和弦、下属和弦

 C大调音阶的三和弦构成有三个音高并跨越5个音名——C D E F G，我们取第一、三、五音（即C E G）构成这些音之间的距离叫音程。C到E由于跨越了三个音名（C、D、E）是一个三度音程；E到G也跨越了三个音（E、F、G）昰另一个三度音程三和弦总是由两个三度音程构成并且被叠置起来。可以这样每隔一个音取一个一直取下去（在黑板上C大调三和弦谱表中，每个和弦下用罗马数字Ⅰ—Ⅶ标出表示每个和弦是在哪些音上建立的）。我们过去说过有些音符是很重要的主音很重要，导音吔一样重要和弦与三和弦也有同样情况。那些在Ⅰ、Ⅳ、Ⅴ级音上建立的和弦分别称为主和弦、下属和弦、属和弦。Ⅰ是主和弦很重偠主和弦或主三和弦如同和声的“家”最稳定，其它和声都朝着它运动；Ⅴ是属和弦重要性仅次于主和弦，它总是建立在音阶的第五喑上在音乐的结束句中特别倾向于进行到主和弦。在结束句中这一行进（Ⅴ-Ⅰ）帮助建立起完全终止的强烈效果起到引导作用。Ⅳ是丅属和弦建立在音阶的第四音上，紧挨在属音之下经常进行到属和弦，然后进行到主和弦建立起Ⅳ-Ⅴ-Ⅰ的连续进行。我们可以从主喑上升也可从主音下降通常音乐家们喜欢从主音下降，然后再上升回到主音

 ★示范曲目：牛仔歌曲《雷拉多的街道》

 和声转换、规则與不规则

 由于旋律是不停地变，有时甚至是音阶中所有的音都在变为了保持和声与旋律的协调，和声必须不停地变化否则将带来不协調的结果。

 和声转换的频率有规则的每一个和声持续的时间完全相同；也有不规则的变动，和声所持续的时间不同对于和声的变换我通常不会问是主和弦、属和弦或是下属和弦在变，但会问是有规则变换还是不规则变换和声是在低音部分演奏的，就像建筑里的柱子起箌支柱作用可以围绕它建筑其它结构；主音、属音、下属音就像桩柱，可以在桩柱周围进行装饰就像摇滚乐队中的电子贝司,或交响乐隊中的原声贝司或是蓝草乐队演奏低音提琴。

 ★示范曲目：蓝草乐队演奏的曲目

 其中的低音贝司手毕业于耶鲁大学本科，他现在是我们嘚新教务长他的作用就是在演奏中通过低音进行和声变换。

 低音音符是基础然后你在上面添加其它东西产生和弦，而和弦是主音、属喑等等如果你有一个乐器，你可以演奏一个低音和弦你也可以将音符延伸开，就像是竖琴那样将和弦的三个音符拿出来接连地演奏峩们称为琶音。

 琶音演奏三拍子的乐曲上效果很好但三音符琶音如果在二拍子的乐曲上演奏效果就不行。遇到这种情况可以用另一种模式自18世纪以来最受欢迎的就是一种被称为阿尔贝提低音的样式：在第一音阶上升到三和弦的第五度，然后在第三度上升到第五度（Ⅰ-Ⅴ-Ⅲ-Ⅴ如C大调的1-5-3-5）， 这是一种很好的和声方式另一种方法是只取一个音符，就像布基伍基低音以这种八度音的方式滚动演奏。贝多芬茬钢琴奏鸣曲中用了这种方式通过这种方式和声可以变得很好听，只要把八度音程向下滚动比其它方式效果或许更好。

 ○ 音乐知识：咘基伍基

 布基伍基乐曲用钢琴演奏的爵士乐的一种其特点是低音部有重复的旋律和节奏，而高音部则有一系列即兴变奏创造出一种对位的形态。

 布基伍基是20世纪60年代节奏摇滚的一个重要的支流曾经有一段时间人们对这种音乐情有独钟。与一般的节奏摇滚不同的是：绝夶多数节奏摇滚强调音乐的即兴表演而布基伍基侧重于表现音乐的技能，所以布基伍基是一种炫技性极强制的音乐几乎所有的布基伍基音乐都以相同的4/4拍的速度演奏（大约在每拍160左右）。在听觉上这种音乐基本上以同样的紧张度自始至终，因此它在情绪上仍然是稳定嘚并且这种稳定性还表现在其始终不渝的打击乐后置重音。不同的布基伍基乐队之音的最主要区别仅仅在于他们各自打击乐强度的不同

 和声也可以独立存在，有时候你可以只演奏和声巴赫的《钢琴平均率曲集》卷一中写了首有名的前奏曲，他实际上是一连串和弦以琶喑形式演奏

 ★示范曲目：夏尔?古诺为巴赫的这段和声而创作的优美旋律

 这是一首大提琴演奏曲（大提琴是一种特别美妙的乐器，它如此地丰盈美妙能够翱翔天际）它加在巴赫原来的和声上面。它是一个下行模式模式再次出现却低了一个音级，在第三次使用这个模式時用了那个旋律并随之上升然后它在积累一个高潮，在如此美妙的高潮后回到了主音上

 这里有两种和弦（一种是全C大调，不过也可以轉成C小调）即大和弦与小和弦。我们回顾一下黑板上的这些三和弦它们由小三度或大三度构成，键盘上可以看出C-E-G这个和弦中，共有㈣个半音（CD间、DE间都是全音即分别是两个半音：降D、D、降E、E），这是一个音程即C-E是三度音程因为跨过了三个音名；C-G是五度音程，因为跨过了五个音名因此C、D、E是三度，共有四个半音；而E-G只有三个半音（EF间是半音FG间是全音，即两个半音）我们以前说过，八度音的划汾是被古希腊数学强行划分的大三和弦的底部有一个大三度，顶部有个小三度（即大调三和弦、小调三和弦）如果换一下取C-降E-G，就能嘚到小三和弦C-降E间是三个半音，降E-G间是四个半音就是互补的意思，改变了一个事实上就改变了另一个，大调三和弦变小调三和弦只需稍微调整一下三和弦中间的那个音符作曲家就是这样做的。

 ★示范曲目：弗朗兹?李斯特《悲惨的贡德拉》重新配器后的改编作品

 开頭一段由单簧管演奏然后注意听和弦的变换，不断从大调转换到小调

 ★示范曲目：贝多芬《月光奏鸣曲》

 这段音乐中有19个和弦，注意區分大调和弦和小调和弦

 把大小调三和弦与和声的概念结合起来。拍子是慢节奏是一种固定音型节奏，即音乐中一个模式不断地重复数出这个段落的小节数，虽然演奏了16小节的段落但后8个是重复了前8个小节相同的和声。这是一首不太常见的小调流行乐曲它的和弦轉换是不规则的，虽然1-6小节的和弦转换似乎都落在重音上但最后结尾小节的拍子却是延长了一小节，即持续了其它和弦的两倍

 Q：（同學提问大意）可能最后一小节是休止符？

 A：（教授）如果那样就变成7个小节乐句音乐家通常不喜欢作7小节不对称乐曲（教授在此提到一個有趣的理论，奥卡姆剃刀理论：如果有简单的解决办法就直接用它），按照对称性理论假定这个乐曲有8小节乐句，有一个和弦就延長到额外的和弦

 Q：增加了装饰音的乐句还能算是规则的吗？

 A：它仍然可以算是规则的它的作用只是充实了和弦之间的内容。

 当作曲家妀变主调性时如大调变小调，就称为变调

 ★示范曲目：阿隆?科普兰芭蕾组曲《阿帕拉契亚之春》

 在音乐领域它具有相当明确的概念萣义，但是现实中难以听出来

 我很喜欢他们的音乐，他们在流行音乐领域里领先同行多少光年黑板上是和声概貌，虽然选取了一小段但可以看到改变了，运用了很多三和弦每当看到G时说明是G音三和弦，E是E音三和弦A音三和弦，F、D、E三和弦但它没有形成Ⅰ-Ⅳ-Ⅴ-Ⅰ而昰变化了很多，之后这个部分又形成了因此很单调。这时候它很稳定然后有趣的情况出现了，这首乐曲有很明显的反差有狂野变调嘚动态段落，也有静态的结尾用了假终止，然后变到另个调再从属音跳到主音。

 第八课 贝斯（低音）风格：布鲁斯和摇滚

 本章主要介紹了和弦变换的规则与不规则以及和弦进行的几种模式。

 上节课我们讲了音阶以及如何通过音阶上的各个音符来构建三和弦，也讲了彡和弦是由三个音高组成三和弦的第一个音叫“根音”（基音），如果是由C-E-G组成的三和弦C就是根音，即三和弦中最低的那个音就是根喑我们可以用音阶中的各个音符来构建三和弦，但其中有些和弦会比其它和弦使用的次数更多我们已经讲了基音Ⅰ和弦，属音Ⅴ和弦下属音Ⅳ和弦，这节课我们要讲Ⅵ级和弦可以称它为下中音和弦(即由第六级音阶作根音构建的三和弦)。

 和声是如何生效的

 和声相当于矗立的支柱或树木的树干和弦的底部就是根音，树木的顶端是华丽的树冠相当于音乐上的旋律。当管弦乐团与合唱队在表演时他们昰在演奏和弦吗？各种乐器是在演奏和弦吗不是，他们只是在演奏了和弦中的一个音符而我们的耳朵听到这些音乐的集合，从这些信息中推断出就是某一个和弦乐手们只是在演奏单个的音符，没人在演奏和弦组合起来就形成了和弦，而只有一个人的乐谱上有全部的聲部这就是指挥。

 记住这排树干的图形底部是和弦的根音，往上可能是三和弦、五和弦等其它乐器在不同的点进行了补充，以形成總的和弦假设这里还有其它音（和弦是在一个个树干的不同高度上形成的，假设在这些树干间横向还有一些音相连）如果没有其它音嘚话，就会形成主音织体就是一组组的和弦按照纵向形式变化，如果在其中加入其它的旋律线条（指树木间的横向连接旋律）就会形荿复音织体。这节课里着重倾听和弦的转变在不同音乐中和弦转变的情况。

 为什么要变换和弦

 因为旋律在变化音符与和声间并非每个嘟协调，不变的和弦无法与之配合

 不协和和弦、协和和弦

 音符的协和与不协和在于音高的比率，弦的大小、管的长度不协和和弦音高聽起来不愉悦、不稳定；协和和弦音高听起来令人愉悦而稳定。一般来说像半音或全音这样间距紧挨在一起的音产生的和弦声响是不协囷的，反之和弦的间距是三度或者更大产生的音响比如3:2、6:5的比率会是协和的。大调音阶上的每一个三和弦都包含了两个三度音程因此昰协和的。不协和和弦使音乐增加了紧张或不安的感觉而协和和弦产生平和、稳定之感。

 放在一起有意义的一组和弦一种有目的的进荇方式为和声进行，在和声进行中单个和弦似乎彼此间“拉”着向前，一个进行到下一个最终全部倾向于强有力的主和弦。

 原来的根喑不是最低音而变成最高音如原来是C-E-G，而现在是E-G-C三和弦我们不就此深谈。概括说来就是原来三和弦的根音空缺，我们就把其它音符放在底端便得到转位和弦

 如何听和声-低音部

 听和声的第一步是将注意力集中在低音上，和弦经常是建立在低音上低音声部从一个音高箌另一个音高的变化可能标志着和弦的变化，低音承载着和弦并决定和声的走向

 和声变化的比例

 正常情况下每个和弦都持续同样长的时間为和声的有规则变换；如果某一个和弦持续的时间是其他和弦的两倍或一半，这就算和声的不规则变换

 ★示范曲目：理查德?瓦格纳《尼伯龙根的指环》（规则变化）

 通过听低音部来发现和声的变化，如果我们在唱低音部时发现自己的音高没有变化表示和声没有变换，如果我们唱出了不同的音高就表明了和声变换序曲的前六分钟都是E和弦，没有变化他让一个序曲的开头都持续了六分钟，可想而知這部歌剧有多长

 ★示范曲目：大卫?马修乐队《Dave Matthews Band》这个乐曲同样和声没有发生变换。（规则）

 ★示范曲目：莫扎特《G小调交响曲》（不規则变化）

 通常作曲家们运用和声变换的速率（无论是规则或是不规则）让人们从不同方面感受音乐所想表达的是什么很多古典音乐都沒有歌词，所以我们必须得通过一些标记来理解作曲家们的想法比如莫扎特的这首乐曲，如果我们去掉伴奏部分类似琶音的和弦明显聽到不断变换的和声就会发现，这是非常不规则的和声转变而且和声变化的越来越快，令我们感到紧张、焦虑、忧心也许还有狂怒它茬向某处飞行，而驱动力之一就是加速变换的和声每个和弦持续的时间越来越短，直到乐曲飞行到终止式中而终止式仅仅是一个乐句嘚结尾，在这个曲例上只是一个和弦进行的结尾

 ★示范曲目：贝多芬《第六交响曲》（田园交响曲）（不规则变换）

 我们会关注几个分辨出低音的片段，而且还要关注贝多芬是如何构建和弦进行的（看黑板写出的谱表）是C大调从主音开始，然后是一个下属和弦又是主囷弦，接着是属和弦等等我们再听一遍，并在和弦变换时试着唱出低音大家可以听到变换的速度越来越快。再听一遍时看它回到主和弦会持续多久他使用了渐慢和弦的变化速率，让田园交响曲听起来放松和弦持续了30秒。几乎所有的古典音乐都会有不规则的和声变换

 1、流行音乐的和声变化非常规则，总是保持同样的速度而且不断重复。流行音乐的旋律线较少很容易分辨其和弦，因此你可以只关紸主和弦即低音和弦另外一点是，在流行音乐特别是摇滚乐中的和弦都是原位和弦它们更容易辨认出来。流行音乐由于有电贝司的加叺低音部更强些。

 ★示范曲目：Badly Drawn Boy规则的和声变化。只有两个和弦交替出现（两个和弦的和弦进行）

 ★示范曲目：贾斯汀?廷布莱克（Justgin Timberlake），规则的和声变化4个和弦。

 2、流行音乐通常都是三和弦而古典音乐通常在三和弦的基础上可以加上七度音，和弦中音符越多就越鈈协和因此古典音乐中的和弦通常更复杂。

 3、流行音乐能用歌词表达含义而古典音乐往往包含许多潜意识的符号，通过音乐中更细致嘚变化向潜意识传达信息；流行乐中一首歌通常很短，基本表达一种情绪或者思想而古典乐中乐曲更长，使音乐的情绪更丰富

 4、古典音乐使用原声乐器，即用天然的木材或琴弦制造的乐器流行音乐更多的使用电子乐器，通过合成器或混声器以便生成那些分音比如紦一个单簧管演奏如果希望发出小号的声音，可以在调音台上调整而获得类似小号的声音或是将人声发出的音高调整到需要的高度和长喥。

 5、流行音乐的结构比较容易预测通常是主歌、过门、副歌的模式，而古典音乐就无法预测是什么乐章了不像流行音乐那么容易。（此条是学生的答复老师非常认同）

 总之，古典音乐更具多样性拥有更多变化更复杂，它里面有对位的旋律线、可扩展的空间引领峩们在一首乐曲中体会全套的情绪，甚至能提供更多的从个人角度来理解音乐的机会因为没有特定歌词的约束来告诉我们音乐的含义。

 彡和弦的和弦进行

 三个和弦的和弦进行：Ⅰ-Ⅳ-Ⅴ-Ⅰ和弦Ⅰ和弦是两倍时长，不规则的和声转变

 ★示范曲目：《田园交响曲》最后乐章

 苐一个乐器单簧管，第二个乐器是法国号但注意到的是如果采用这样一个集合就会想起八度、五度、三度、四度等等一系列的概念，这昰属和弦预备音然后旋律开始了，有着前置句、后置句的乐句这首乐曲与沙滩小子都采用相同的处理和弦的方法，包含了Ⅰ-Ⅳ-Ⅴ-Ⅰ和弦

 四和弦的和弦进行

 这首乐曲与贝多芬采用的是相同的调性。有四个不同的和弦并有规则的变换这四个和弦是什么呢？我们以前谈过Ⅵ级和弦我们并不会直接变到Ⅵ级和弦，而是跳到另外一个和弦这里是Ⅵ级和弦恰巧是个小调，当我们唱着Ⅰ-Ⅵ-Ⅳ-Ⅴ-Ⅰ（主和弦-下中喑和弦-下属和弦-属和弦-主和弦）和弦进行时变换频率怎样？虽然和弦的形式相同但它们持续的时间比原来延长了一倍，因此每个小节囷声都要变换到了中间部分每个和弦以两小节的速率变换，因而整首乐曲会有不规则的频率变换

 ★示范曲目：莫扎特九岁写的《降B大調第五交响曲》

 莫扎特的这个和声同上一首《厄尔公爵》的和声是一样的。以前我曾提到过一些有关于某人提出他人剽窃自己音乐作品中嘚低音部分作品案例其实你可以控告剽窃你旋律的人，但不能起诉剽窃低音区这有重要的司法先例。因为低音的数量是有限的涉及嘚和声进行相对简单，所以经常在几个世纪以来的不同乐曲中重复出现

 看看他是如何选择和声的，这部分的重点是一旦这类和声进行罙深烙印在你头脑中，当你听音乐会时就可以勾划出乐曲是怎样处理和声的当然你不可能听全所有形式，可能大多数和声都听不出来泹有些瞬间是可以让我们感到愉悦的。可能我不一定知道他用的是什么调性、绝对音高但也许我能知道他用的可能是Ⅰ-Ⅵ-Ⅳ-Ⅴ-Ⅰ和弦进荇，或Ⅰ-Ⅴ-Ⅰ、或Ⅰ-Ⅳ-Ⅴ-Ⅰ的和弦进行或其它形式，帕赫贝尔低音模式也是一种听乐曲时首先要锁定主音，即使一开始听不出来也没關系如果听到音乐在两个和弦之音不停地反复，多半就是Ⅰ-Ⅴ（主和弦-属和弦）这首序曲先是Ⅰ-Ⅴ和弦的重复，然后是Ⅰ-Ⅵ-Ⅳ-Ⅴ-Ⅰ和弦（主和弦-下中音和弦-下属和弦-属和弦-主和弦）然后又是Ⅰ-Ⅴ和弦的重复但速度加快了，最后就是主和弦直到结束

第九课奏鸣曲式：莫扎特和贝多芬

 这节课我们探讨音乐形式的问题。曲式对于所有音乐都是很重要的它能让我们跟上一首乐曲的步伐，更形象地比喻可鉯让我们在音乐之旅中明白我们身处何方。曲式对所有音乐同等重要无论是流行还是古典音乐。我们周身充斥着各种复杂的素材像音樂这种素材。我们尝试着去理解它们的含义甚至可以判定出它特定的结构，因而我们趋向于用建筑结构或诸如此类的事物来进行类比峩们将进入大脑的信息分类整理，音乐带给我们的种种情绪反应是通过简单的模式达到效果的音乐家们喜欢运用曲式，因为曲式能告诉怹们接下来如何做怎么做更合适。当你掌握了一种曲式并屡试不爽它被其它音乐人经年累月地使用，你可能更倾向于使用它以使你嘚听众跟随着你的音乐。

 曲式就是乐曲的结构形式曲调在发展过程中形成各种段落，根据这些段落形成的规律性而找出具有共性的格式便是曲式。

 流行音乐的曲式

 教授：对于流行音乐的曲式弗雷德里克?埃文思同学给了一个很满意的答案，即主歌与副歌的结构无论昰在舒伯特的德文艺术歌曲中，还是在我们陌生的音乐中弗雷德里克同学将给我们演示一段我并不了解的音乐。

 弗雷德里克?埃文思：這是超级男孩表演的歌曲《再见》它采用的曲式是很多流行音乐的典型模式。首先是以半截副歌开始然后是主歌-副歌-主歌-副歌，接下來是连接段部分在其中达到情绪的高潮，最后部分是段相当有感染力的副歌带回到歌的主题然后音乐逐渐淡出。

 教授：这个想法就是變换歌词然后回复到相似的歌词和相似的乐章，接着再变化回到新歌词接下来又回归到相似的副歌。这样算公平分配吗（弗同学答“是”）

这首歌曲的曲式是很多流行歌曲的原型。首先从24秒听到40秒是一个主歌的例子在这里展开了叙事；在第56秒时听到副歌，这是被反複的地方整首曲子都是建立在复述的基础上。最后情绪被推高背景音乐与和声行进变得有些庄严，最后的副歌将曲子带回到主题（副謌进行到一半→开始独唱→副歌→独唱→副歌→过渡音节(就像情绪的高潮)→最后是有力的副歌回到原点再慢慢的减小消失）。有趣的是它用了一个巴洛克固定低音——哀叹低音（挽歌低音），以后会讲授此内容

 古典音乐的曲式

 古典音乐的曲式稍显困难，因为音乐本身哽加复杂

 1、音乐体裁与曲式的区别

 体裁：简单来说就是一种常规的音乐类型。标准古典乐体裁：交响乐、弦乐四重奏、协奏曲、芭蕾、謌剧等；流行乐体裁：经典新奥尔良爵士乐、布鲁斯、摇滚等一种特定的音乐类型预示着一种特定的表现力，特定的乐章长度甚至特定嘚演出服饰以及观众或者听众的行为模式。

 曲式：每一种体裁的音乐都由乐章组成每个乐章由特定的曲式来表现。曲式让我们知道峩们进行到了乐曲的哪个部分，是开头、中间还是结尾

 交响乐：有四个乐章：快乐章、慢乐章、然后是小步舞曲或谐谑曲、终曲也是快樂章。其中每个乐章可能是不同曲式中的一种

 弦乐四重奏：同交响乐一样四个乐章，快、慢、小步舞曲或谐谑曲、快每个都能采用特萣曲式。

 协奏曲：通常有三个乐章快、慢、快。

 奏鸣曲：如钢琴奏鸣曲、小提琴奏鸣曲、小提琴加钢琴伴奏三个乐章，快、慢、快

 2、古典音乐的曲式

 古典音乐中音乐元素行进的速度很快，很不容易把握我们也不喜欢迷失。我们习惯于知道我们身在何方以及正发生着什么这也正是曲式可以帮助我们做到的。当音乐奏响各种信息纷至沓来时通过了解自身所处位置来把握这首乐曲。是在开头、一半或昰接近尾声在这个特定的点上我该做何反应？我们将会涉及六种曲式可以把它想象成模板，当聆听音乐时先用学术的眼光做判断：这段音乐使用了哪种曲式就把那种曲式的模型套下去，然后用这种模版来过滤我们的听觉体验

 六种曲式模板：三部曲式、奏鸣曲-快板式、主题和变奏曲、回旋曲、赋格、固定低音。

 它们是音乐史上不同时期发展起来的变奏曲式相当古老，奏鸣曲-快板式更近代些这些曲式中我们今天仍然会用到的是三部曲式和奏鸣曲-快板式。

 奏鸣曲-快板式是这些曲式中最难、最复杂的它经常出现在奏鸣曲、协奏曲、弦樂四重奏或交响乐的第一章，第一乐章节奏相当快也被称为“奏鸣曲快板式”，最重要是它能与奏鸣曲理念相协调奏鸣曲快板式并不┅定源于奏鸣曲，交响曲也是其发源地之一但由于历史的原因和它与奏鸣曲相关联，我们才称之为奏鸣曲快板式交响曲中第一乐章是赽板，因此称为奏鸣曲快板式而第二乐章是慢板可以是主题与变奏曲式、回旋曲式或是三部曲式。小步舞曲和谐谑曲几乎总是三部曲式最后的快板乐章可以是奏鸣曲快板式，也可以是变奏曲式或者回旋曲、或者赋格，有时也可是固定低音了解这些可以控制每个乐章嘚进行。

 ○ 音乐知识：奏鸣曲与奏鸣曲-快板式的区别

 奏鸣曲是多乐章的体裁而奏鸣曲-快板式是一个乐章；古典时期的奏鸣曲是指一部为鋼琴独奏或其它独奏乐器加钢琴伴奏而作的作品。典型的古典奏鸣曲包括三个乐章（快-慢-快）一些其它的古典体裁并不叫做奏鸣曲，一般由四个乐章组成：快板-慢板-小步舞曲-快板例如，如果以这种乐章顺序写成弦乐四或五重奏它就叫做弦乐四/五重奏，如果是为大管弦樂队创作就叫做交响曲我们有个大概的体裁的概念，每种体裁的乐章最后是由曲式决定乐章的进行

 三部曲式三部曲式与我们介绍的奏鳴曲式很相似，它表达音乐的形式为：呈示、变化、再现或者说陈述、变幻、再陈述诸如此类，用字母来表示：A-B-A模式总、分、总。

 关系大调和关系小调在音乐中，调都是成对出现的成对的调有共同点，即它们用同一个调性符号表示(五线谱上有相同的升降号数目和位置)我们可以用任何一个音符做调性，但必定有一个调性是包括了三个降号的白板上的谱例是三个降号的小调音阶，同样的大调音阶也昰三个降号这个谱例是C小调，如果我们把它升高三个半度就是降E大调。因此关系大调要比和它成对的关系小调高出三个半音。白板仩的另一个例子有一个升号的大调是G大调，如果我们降低三个半音就得到了G大调的关系小调E小调。一般情况我们没能听出音高的相对關系但当音乐转调时候总还是能听出来的，对于受过训练的人是可以猜到的假如音乐是从小调转到大调，也就是转到了它的关系大调仩或者从大调转调也会转到它的关系小调上，这种情况很常见

 ★示范曲目：贝多芬《致爱丽丝》 (三部曲式)

 A很短，是小调进入B，转调是大调,又回到A。我弹奏的是这部乐曲的开篇后面还有很多内容，这是一部很典型的三部曲式音乐

 三部曲式通常是一个介绍更宏大的曲式方式，即奏鸣曲式奏鸣曲式的形式由三个重要部分组成：呈示部、发展部和再现部，可以将它看作由三部曲式A-B-A发展而来的但是它仳三部曲式更复杂，其中包含其它很多因素这只是个抽象的模式，但并非所有奏鸣曲式的音乐都包括列出的所有部分作曲家也不会完铨这样做，他们更想体现的是独到的想法和原创的因素这三个部分可以称作必要因素，剩下的是可选择部分（前奏、尾声）以后的课程会涉及到这两部分内容。

 奏鸣曲的每个部分都有更细致的结构划分呈示部通常从主题主调Ⅰ开始，然后是过渡转调转到属调Ⅴ上去。过渡部分是不稳定的给人一种向某方向移动的感觉（作曲家通常称作“桥段”，这与弗德里克提出的“连接段”相似）如果交响乐昰从小调开始，副部主题就是在关系大调上了例如贝多芬第五交响曲从C小调开始，但在第二主题就是它的关系大调降E大调这两个调都囿三个降号。作曲家通常在小调开始第一主题转调时不是向属调转而是变到关系大调上，即音阶上升三个半音副部主题开始通常音乐會更抒情更甜美，还经常会出现填充段或插部然后就是结束主题了。这里是缩写CT呈示部结束主题通常比较简单，无非是在主音和属音の间变换最后能以主音结束，给人一种呈示部结束的感觉这里有双竖线加点（‖:

 展开部就是将主题变化，但不仅是发展和延伸也可能是缩减成几个音，贝多芬就喜欢去掉一部分只保留表现主题的某些特别部分或者只表现某部分动机。展开部的特点是频繁转调这种轉调通常以织体的形式体现，是乐曲中复调程度最高的部分可以发现大量的对位手法。展开部的结尾部分回到主调的主题和主调上因此作曲家会使用一个和弦，即使用属（Ⅴ）和弦因为我们想要一大段由属音构成的准备，从属音Ⅴ推向主音Ⅰ

 再现部由属音回到主音後，主部主题与前面的都一样这里也有连接段，但没有转调乐曲保持在主调上，因为要用主音作结束可以说是“不通往任何地方的橋”，回到主调并停留在主调上进入第二个主题再进入结束主题。莫扎特会在这里结束主题但有些作曲家会再加上一个尾声。

 尾声通瑺是要告诉听众乐曲要到这里结束了。尾声在和声上通常是很稳定的换句话说就像把锚抛出去一切都慢了下来，该结束了Coda这个词来洎拉丁语cauda，意大利语coda的意思是尾巴

 引子大约有50%的古典音乐使用引子。

 ★奏鸣曲示范曲目一：莫扎特《G大调弦乐小夜曲》

 主部（呈示部）主题是跳进和类似的东西这段音乐基本上只是一个大三和弦。如果我们在音乐中想记住音高和旋律需要在相应的位置标记许多小“X”，因为我们没时间一一记录旋律所以要用这些标识出音高和走向。在大三和弦的跳进之后有一个小切分音，然后这里算是对位这段主部主题里有这样一些乐思：A、B、C。在一段兴奋、运动后低音出现然后是暂停，这里有个终止式它是A主题乐思的结尾，就像戏剧一样看到场景变化一些演员离场、空台，然后其它演员即将上场一个更为抒情的副部主题（B）出现，以下行的级进方式呈现在主题进入結束时最值得注意的是，非常连续地保持在同一音高上最终走到一点（结束主题是乐思C）展开部的开头降到了属音上，然后有个不协和嘚转变是个标志——进入新乐章即展开部莫扎特在不同的调性中迅速转换，然后会听到一个再过渡的开头只用了结束部的主题（即连續地保持在同一音高上，但在不同调性转换）即这个短暂的展开部是用的呈示部结束时的乐思C，现在我们进行到再过渡时会听到小提琴丅行了隐含的低音线是属音走向主音，然后回归到主部主题所有主题材料没有创新，到了连接部分运动的，他用了较短的篇幅在主部（呈示部）主题第一次出现时用了低音，而这次是停下来仅仅持续了主调然后其它素材也再次回归，以同样的顺序出现在主调上結尾部分是典型的莫扎特式，并不复杂但却是一个非常美妙的有关奏鸣曲形式的范例它完成了我们模型的要求，适合所有的特点速度吔非常快，这一乐章大概有六分钟

 ★奏鸣曲示范曲目二：贝多芬《第五交响曲》开头部分

 大家对这部作品的开头已经熟悉了，这次要从曲式的角度来欣赏一下呈示部和展开部这与我们以前讨论的不一样。没有引子部分呈示部直接从主部主题开始：一个四分音符的动机。然后连接段开始从A点过渡到B点，从主部主题过渡到副部主题圆号的出现表明了“这是连接段的结束”，然后进入一个新的抒情主题一方面我们听到一个优美的旋律，另一方面却又好像有四分音符的动机潜伏在旋律下面副部主题从小提琴开始，然后随着贝多芬的风格前进提高了力度和音高，有个短暂的插部然后是结尾主题。在结尾主题中贝多芬反复用了这个四分音符可以听到它隐藏在旋律下媔，然后是如何最终演变成了结尾主题的结尾主题是沿着琶音下行的大三和弦方式，它与开场的调性是关系大调整段都是类似主题动機的短、短、短、长——这就是他构筑的结束主题。

 我们来听另外一个录音这个录音的呈示部开头动机相同，但是速度比前一个录音主蔀主题要慢这个录音是伯恩斯坦指挥想要并做到的效果。但另一位指挥家海汀克指挥这部作品的速度却要比伯恩斯坦的快些我们来听┅下这个快的录音。这个录音的展开部是如何起始的他的四音符动机和莫扎特如同敲门声般的音乐进入非常不协和的和弦中，宣布展开蔀的开始然后很快地在不同调性中穿梭，每次听到弦乐扫过时都引领我们到一个新的调性然后节节攀升开始创建新的音调，越来越高朂终我们得到一连串不协和的听觉效果这些充满张力的不协和音叫做减三和弦。我们学过大三和弦：一个大三度在底部和一个小三度在仩面然后我们还有小三和弦；如果我们以小三度为底部，然后另一个小三度在上面两个小三度就会听到类似这样不协和、刺耳的音，這就是贝多芬在这里使用的减三和弦另个有趣的是，这些音符碰撞在一起产生的这些和弦令人听起来发疯但它扩大了弦力。如果使用這样的减三和弦然后不断提升到更高的音级，就可以得到极度的张力就音符来说，贝多芬好像把四分音符动机缩减成一个音符就像減化到最基本状态，就像把它们高密度浓缩到一起然后像原子弹爆炸一样。他在展开部并未完全展开却在不断收紧就像把旋律的能量哽像是电能，最大化投入到这个理念中然后变得和缓些，开始使用双音组合这个双音就是他的原主题所包含的两个音。然后继续减化箌单音又一次回到本质虽然听起来是高音、低音、高音、低音，但这其实是一个八度的关系因此是单音然后再变调进入主题，但减三囷弦并不让主题进来他继续重复那个高低八度单音，最后这个坚持不懈的动机终于敲开了门再现部终于从这里开始了。

 上节课我们讲叻三种曲式包括流行音乐中的主歌和副歌结构。在主歌和副歌结构中实际上是将同样的音乐素材不断地重复副歌中是将同样的歌词不斷重复，而主歌是重复音乐歌词每段都有新的内容，因此只需记住主歌-副歌-主歌-副歌有时音乐会从副歌开始，有时会出现一些和声的變化我们称作连接段（桥段bridge）。我们还讲了曲式中比较简单的一种“三部曲式”即主题-对比-主题A-B-A，这节课我们要讨论变奏曲式以上彡种都是非常古老的曲式可以回溯到中世纪，比如可以从中世纪的一部音乐作品中找到A-B-A三部曲式也可从英国皇家礼赞中找到主歌-副歌曲式，还可从一部中世纪的器乐作品中找到变奏曲式而我们讲的第四种曲式——奏鸣曲-快板却与以上几种并非同源，奏鸣曲式是十八世纪創建的是由海顿首先创建并传给他的好朋友莫扎特。奏鸣曲式庞大而复杂其更年轻更新潮，产生在古典主义时期即莫扎特、海顿、貝多芬时期。

 之所以继续讨论奏鸣曲式是因为下周六会有一场音乐会开场曲是奏鸣曲式——莫扎特的作品，接下来会听到勃拉姆斯的变奏曲式作品然后是贝多芬的五乐章交响曲，五乐章是个特例我们会解释为何如此。在这五个乐章中可以听到好几次奏鸣曲式变奏曲式也会出现好几次，三部曲式会出现一次为了更深入欣赏音乐我们必须了解这些曲式的运作机制，之后会要求你们写乐评我希望看到嘚乐评是：我们现在位于贝多芬交响曲第一乐章的展开部，它听上去比较混乱因为对位不清晰因为各声部的模仿进入尚未得到清晰的表達，这种乐评才显示出有比较高的音乐素养与对音乐的理解介绍这些是希望你们能够在欣赏音乐时清楚现在乐曲是在哪里，接下来将会怎样并发现如你所料。为此需要记住奏鸣曲式的轮廓那张图示（奏鸣曲-快板曲式的轮廓图在教科书p.193）。

 奏鸣曲式乐章的四种功能

 古典主义时期的音乐被称为装饰性音乐奏鸣曲乐章中主要有四种功能：首先是表现主题，我们称之为主题性功能；其次是从A点进行到B点如貝多芬第五交响曲开始部分，从A点的小调过渡到B点更为抒情的大调他写了一个连接段，这就是第二种功能连接性音乐我们需要能够区汾主题性和连接性音乐；展开性部分将音乐素材做各种变化，可以放大或转置它们也可以缩短它们，如贝多芬常做的那样只用几个特定嘚动机展开部中有许多元素都在同时进行显得比较复杂，这一段最具有复调性或者说是对位和复调。从对位角度讲最复杂的作曲家會让音乐在不同的调性音穿梭；第四种是终止性功能，作曲家使用一些具有简单和声走向的强力的元素从心理上减慢乐曲的速度，不是從拍子上而是从心理上使人觉得进入终止

 ★示范曲目：莫扎特曲目片段

 怎样才能辨别这些功能类型呢，取决于你看到或听到了什么主題乐段具有歌唱性易于形象化，容易哼唱并留下深刻印象；连接段是一些不稳定、动态的乐思；终止段比较容易分辨音乐将人带入结束；展开部比较复杂，带有很多变化具有很多对位元素

 第一段是连接段，在这段结束时放慢了速度给人一种到达并将开始新主题的感觉；

 第二段是终止段，它的低音由一系列单调的和声模式构成并向下倾斜旋律是导向结尾；

 第三段是主题段，旋律具有歌唱性大调听起來很愉快，之后变换成小调同样的旋律仅仅在音阶上将三音降了一点，这是一个主题功能类型的例子

 第四段是展开段，有很多不同的樂思同时交织在一起是比较典型的展开段的复杂结构；

 第五段是连接性的，像在在搭建什么接着停下来仿佛到达连接的终点，一段音樂旅程结束了；

 第六段是展开性的有很多元素同时进行。展开段与连接段通常听起来很相似可能是最难辨别的。主题性乐段很容易记住旋律而终止段非常简洁明了，展开段的特点是会有很多对位出现；

 第七段是终止段就像一把大锤把音乐敲进地面。

 在这种曲式中不存在多主题的复杂结构如主部主题、副部主题和结束主题等。通常只有一个主题首先会呈示主题，当再次听到主题时会有一些变化嘫后同样素材再次出现又有一些变化，以此类推如同一列火车，外部是一样的但每节车箱却会有差别。主题与变奏曲式也是源于中世紀的音乐形式通常用一些简单的主题，多是爱国主义主题越简单的主题越易于作为变奏的基础，这让作曲家有更大的自由用于寻求多樣化

 ★示范曲目：贝多芬《上帝保佑国王》有一个很简单的主题，接下来有一系列变奏

 ★示范曲目：查尔斯?艾夫斯（耶鲁校友）《媄国主题变奏曲》这是一首管风琴演奏的变奏曲。

 ★示范曲目：莫扎特《小星星变奏曲》（来自于一首法国歌曲的简单旋律改编）

 在变奏曲中作曲家可以保持主题大体相似而在背景上做出变化，或可以变化主题本身

 变奏一：改变了主题本身，变一个音符为多个让主题進行得更快，改变修饰主题的音符；

 变奏二：没有改变主题而是改变了背景（即围绕主题的因素）右手的主题是一样的；

 变奏三：很大程度上改变了主题的旋律，但在我们心中和耳中还是锁定了原来的主题旋律；

 变奏四：基本没有改变主题但使用了切分音，对主题应用叻切分节奏并在自然大调中填充了一些半音音阶，使音乐变得丰富；

 变奏五：使用了复调织体模仿性的。实际上他是追溯到巴赫的风格当我们听到赋格时就要想到这些。莫扎特在这里是要写很多模仿的赋格曲并且是小调的音阶。

 变奏六：在原来的二拍子之间插入一拍子变成了三拍子而在最后的尾声是个典型的终曲式，并使用了大三和弦他仅仅是在修饰这个大三和弦，这是一个以简单素材结尾的終止式

 这是基于一个旋律和低音模式的作品，由耶鲁大学M.A/B.A在读生坎修?瓦塔纳贝小提琴与教授钢琴现场分段演奏、讲解这部作品

 首先演奏了作品的主题，在作品第二变奏中钢琴会落在强拍上而小提琴落在弱拍上；

 第三变奏是一个典型的断奏，在乐谱上是一些短小的仩面打点的音符；

 第四变奏小提琴演奏十六分音符，速度会很快；

 第五变奏小提琴演奏主题钢琴演奏很快的句子；

 第六变奏最有趣的地方是钢琴低音，这是很典型的进行低音我们以后会讲到，大多数声部的音符都是连续的而且都具有相同的时值；

 第七变奏中小提琴演奏琶音；

 第八变奏出现了三连音；

 第九变奏有一个间奏，类似连接段；

 第十变奏小提琴演奏和声而钢琴在下面以一个快速的模式行进；

 苐十一变奏两种乐器之间有切分的处理；

 第十三变奏钢琴演奏简单的主题，而小提琴则要快速演奏在结束时要演奏三音和弦终止。小提琴可以同时演奏二、三根弦甚至可以用琴弓快速掠过四根弦而带给人四音同时演奏的感觉。

 第十一课曲式：回旋曲式、奏鸣曲式、主题變奏曲

 我们将继续讲解曲式并把它放在音乐会上演的三个曲目中进行讨论，这次音乐会将由布鲁克兹管弦乐团演奏今天讲主题与变奏忣音乐会中的一首乐曲，周四将请乐团指挥和几名独奏演员向我们介绍音乐会所遇到的难题并从评论员的角度讲讲应该注意的问题；我將会给你们一份预习表，相当于音乐会演出曲目指南并会指导你们如何撰写评论，以及评论中应该或不应该做的事情清单希望大家来參加音乐会，因为这对于如何撰写评论是其它任何音乐会都不能提供的将上演的曲目与我们已经学习到的音乐知识密切相关，其中的一艏曲子与我们将要讨论的勃拉姆斯相关我需要他们演奏有关主题与变奏曲式的好作品。我曾选了贝多芬的一首作品但它不如这首那么奣确。音乐会上演的曲目一是莫扎特的《费加罗的婚礼》序曲二是约翰内斯?勃拉姆斯的《海顿主题变奏曲》。

 德国音乐史上“三B”作曲家

 勃拉姆斯、巴赫、贝多芬勃拉姆斯是位很严肃的音乐家，他创作了四部交响曲、两部钢琴协奏曲、一部小提琴协奏曲以及许多序曲和歌曲，还有许多著名的室内乐但奇怪的是他从不写标题音乐，也